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folk metal

El folk metal es un subgénero de heavy metal caracterizado principalmente por una temática letrística propia de la música folk e instrumentos de naturaleza folk. La temática más común suele centrarse en las tradiciones de sus pueblos, las antiguas creencias paganas europeas, la naturaleza, batallas épicas entre bandos opuestos y los temas festivos.

El folk metal es un subgénero del heavy metal que aplica instrumentos folclóricos de países. Su peculiaridad es la influencia de elementos folk sobre una base normalmente metálica, además posee elementos de otros subgéneros del metal como el black metal speed metal power metal o death metal en otros casos y las letras suelen ser, en la gran mayoría de los casos, escritas e interpretadas en las lenguas de origen de cada banda (noruego, danés, finés, sueco, alemán, ruso, inglés, escoceses, etc...)

Básicamente, la temática varía dependiendo la vertiente, ya sea de la tradición tanto vikinga como celta o paganas en general; los instrumentos más comunes suelen ser zanfonas, gaitas, whistles, flautas, acordeones, violines o arpas de boca que acompañan a instrumentos básicos del metal, como la guitarra, la batería, el bajo o el teclado.

HEROES DEL SILENCIO

Héroes del Silencio (a veces abreviado Héroes, o por sus iniciales HDS) fue un grupo español de rock radicado en Zaragoza, formado inicialmente por Juan Valdivia y Enrique Bunbury, y completado con Joaquín Cardiel y Pedro Andreu, a mediados de los años 80. Experimentaron un gran éxito en España y Latinoamérica, así como en varios países europeos, incluyendo Alemania, Bélgica, Suiza, Francia e Italia, convirtiéndose en uno de los grupos más exitosos de la historia del rock en español.[3] [4] Después de doce años en los que vendieron más de 6 millones de discos en más de 37 países, y en los que ofrecieron más de 1.000 conciertos, la banda se separó en 1996.[5]

Sus señas de identidad fueron una imagen muy característica, con una iconografía y simbología muy particulares, y una música caracterizada por unas letras ambiguas y trascendentales, arpegios complicados y una sólida base rítmica.[6] Entre sus influencias literarias se han citado escritores como William Blake y Charles Baudelaire,[7] y entre las musicales a grupos como Led Zeppelin o The Doors.[8]

En 2007, conmemorando el 20º aniversario de sus primeras grabaciones y 11 años después de su ruptura, anunciaron su regreso con una gira de 10 conciertos en España y América, titulada genéricamente Héroes del Silencio Tour 2007. Después de la gira se separaron definitivamente.[9]

Sus cuatro álbumes de estudio han sido incluidos por la revista musical Al Borde en la lista de los 250 mejores de todos los tiempos del rock iberoamericano: Senderos de traición (n.º 5), Avalancha (n.º 35), El espíritu del vino (n.º 117) y El mar no cesa (n.º 119).[10] Su canción "Entre dos tierras" ha sido considerada por la revista digital Satélite Musical como la decimonovena mejor de todos los tiempos del rock latino en general.[11]

En enero de 2008 fueron ganadores de cuatro premios en los IX Premios de la Música Aragonesa: mejor directo, mayor difusión, mejor grupo y el premio especial a su trayectoria.[12] También fueron homenajeados por la discográfica EMI en reconocimiento a sus más de seis millones de discos vendidos, además de recibir el Premio Ondas Especial del Jurado.[13]

Los orígenes de Héroes del Silencio se sitúan en la ciudad de Zaragoza, a principios de los años 1980. Allí, los hermanos Pedro (batería) y Juan Valdivia (guitarra) comenzaron a dar sus primeros pasos en el mundo de la música, junto con un primo de ambos, Javier G. Valdivia -que era el cantante- formando el conjunto Zumo de Vidrio.[15] El contexto musical de aquel momento en España estaba dominado por grupos generados en la "movida madrileña" como Alaska y Dinarama, Radio Futura, Nacha Pop, Gabinete Caligari y Los Secretos, además de los barceloneses El Último de la Fila. Los artistas extranjeros más influyentes pertenecían a estilos más diversos: Michael Jackson, The Police y Dire Straits.[16]

Durante esa época, conocieron a Enrique Ortiz de Landázuri (después Enrique Bunbury), que tocaba el bajo y cantaba en Proceso Entrópico, banda con la que compartieron algunos escenarios, y a quien en 1984 invitaron a sumarse al grupo.[15] Bunbury aceptó y comenzaron (como trío, tras abandonar el primo de los Valdivia la formación) sus primeras actuaciones (la primera, el 16 de diciembre de 1984),[17] además de grabar su primera maqueta con los temas "Olvidado", "Sindicato del riesgo", "Héroe del silencio" (después llamada "Héroe de leyenda") y "Hologramas".[18] Como el estilo oscuro y simbólico, con claras influencias post-punk, de las nuevas composiciones tenía muy poco que ver con el pop de Zumo de Vidrio, decidieron cerrar su etapa y refundar el grupo. En 1985, se incorporó al mismo un nuevo bajista, Joaquín Cardiel, para descargar de trabajo a Enrique, que cantaba y componía las letras. Ese mismo año Pedro Valdivia dejó la formación para centrarse en sus estudios, y fue sustituido por el batería zaragozano Pedro Andreu.[19]

El nombre surgió por casualidad, cuando se dirigían con su primera maqueta a las instalaciones de Radio Zaragoza para promocionarla, y aún no habían decidido cómo iban a llamarse. Entonces, uno de ellos sugirió "Héroes del Silencio" ("Héroe del silencio" era el título de una de sus canciones, que luego cambiaron por "Héroe de leyenda"), y al resto les gustó la idea, quedando como nombre definitivo de la formación.[20] Ya como Héroes del Silencio afrontaron sus primeros retos: en 1986 consiguieron ganar la fase regional del Festival de Benidorm, y quedaron finalistas del concurso "Nuevo Pop Español" de Radiocadena Española, en cuya final, celebrada en Salamanca, comenzaron a ser seguidos por ejecutivos discográficos,[21] además de despuntar ese año en las Fiestas del Pilar.[3] Tras telonear a grupos como Alphaville, La Unión y El Último de la Fila, Gustavo Montesano (productor y guitarrista de Olé Olé) acudió a Zaragoza para verlos en directo en enero de 1987. El grupo causó una gran impresión a Montesano, que inmediatamente se lo recomendó a la multinacional EMI.[22]

El recelo de la discográfica con el nuevo grupo le llevó a ofrecerles comenzar con un EP de 4 temas, y grabaron, a finales de 1987 Héroe de Leyenda. El disco alcanzó las 30.000 copias vendidas, lo que supuso un récord de ventas para un maxi de debut en España.[23] Tras este éxito, EMI decidió lanzar el primer LP de Héroes del Silencio, compuesto por sus integrantes durante el resto de ese año y publicado en octubre de 1988. El mar no cesa vendió 150.000 copias, alcanzando el Disco de platino. Después, la banda comenzó la GiraEl mar no cesa, bien promocionada por la discográfica, y en la que confirmó su potente directo.[24]

Afianzamiento (1990-1993) [editar]
Phil Manzanera fue el productor de la etapa más gloriosa de Héroes. El músico británico produjo Senderos de Traición y El espíritu del vino, los dos discos más exitosos de la banda.En un concierto de la gira, en Calatayud, los vio actuar el productor Phil Manzanera, ex miembro de Roxy Music, a quien le causaron muy buena impresión.[25] Manzanera, convencido de su potencial, se ofreció para producirles un nuevo álbum, y en septiembre de 1990 volvieron al estudio para grabar su segundo disco: Senderos de traición.[26]

La grabación se llevó a cabo entre Madrid y Londres;[27] algunos temas ya habían sido presentados durante la Gira El mar no cesa, y otros como "Decadencia" y "El cuadro II", que ya hacía tiempo que habían sido compuestos, fueron mejorados para su inclusión en el disco. Éste resultó ser un conjunto de canciones potentes y emocionales que mostraron el progreso experimentado por el grupo, con temas como "Entre dos tierras" y "Maldito duende".[28]

La crítica los comparó en esa época con The Mission, al tener puntos en común con los británicos como el tipo de arpegios, las letras crípticas, la sonoridad en general, la estética y la simbología. Años después, Bunbury consideró esta etapa la cumbre de Héroes, su momento de oro.[29] Llegaron a decir que "el primer disco no reflejaba exactamente lo que era el grupo, reflejaba una parcela concreta (...) Hemos buscado un sonido más directo, una mayor energía, grabando con sonido ambiental y el bajo y la batería al mismo tiempo, porque así se consigue el feeling."

Durante la realización del álbum, grabaron también la versión en inglés de los temas "Entre dos tierras" y "Maldito duende", pero al final decidieron no publicarlas y quedarse con las grabaciones.[30]

En dos semanas, el álbum se colocó en el número uno de ventas en España con unas 400.000 copias vendidas.[31] En 1991 pusieron en marcha la gira Tour Senda, que incluyó 140 conciertos por todo el país y culminó con una minigira por Alemania, Suiza, Bélgica y Francia. El año 1992 lo dedicaron a la toma de contacto con el público europeo, actuando en 54 conciertos por varios países del continente, en una gira sufragada con las ganancias de los conciertos en España.[32] Ese mismo año dieron sus primeros conciertos en México, el año de las celebraciones del V Centenario, lo que provocó según Bunbury un ambiente hostil que convirtió los conciertos en mera anécdota.[33] Durante esa gira, que duró dos semanas, conocieron al guitarrista Alan Boguslavsky, que más tarde se convirtió en miembro del grupo.[34]

ROCK LATINO

Rock latino[1] es el término que se utiliza para referirse a un género musical de alcance internacional, característico de América Latina y el Caribe y de las comunidades latinoamericanas y caribeñas de Estados Unidos, que se distingue usualmente por la fusión de la música rock con los ritmos latinoamericanos y caribeños y por el uso de idiomas y dialectos correspondientes a esas regiones y comunidades.

Musicalmente, el rock latino europeo no se caracteriza por el idioma utilizado antes que por la fusión con ritmos europeos.

Si bien sus antecedentes "nacionales" pueden encontrarse en muchos países desde fines de la década del 50, como movimiento internacional popular y relativamente compacto, recién comenzó a existir desde la segunda mitad de la década del 80, para estallar en la década del 90. De este modo, los principales exponentes del rock latino se encuentran en México, Colombia, Chile, y Argentina.

El rock latino se ha desarrollado como movimiento autónomo internacional en gran medida vinculado también al éxito internacional del pop latino y al desarrollo de un amplio mercado cultural latino en Estados Unidos, de la mano de lo que ha se llamado la latinoamericanización de Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX.

Los términos «rock en español» y «rock iberoamericano», así como «rock nacional», «rock en tu idioma» y «alterlatino» se encuentran estrechamente ligados con este concepto.

HISTORIA

El nacimiento del rock se dio a partir de la fusión de distintos géneros, principalmente de los provenientes de la música negra norteamericana. En menor medida, la música tradicional latina tuvo una influencia en ella. Ritmos como el calypso tuvieron influencia en la que sería el surf, y sobre la base de ritmos como el cha-cha-chá o el mambo se escribieron distintos temas de rock n' roll, por ese entonces con un fin netamente bailable.

El rock latino, nacería desde ese contacto en los mismos Estados Unidos. EL primer gran momento se daría con “La bamba”, la adaptación de una canción tradicional mexicana realizada por Ritchie Valens, el alías con el que el californiano Ricardo Valenzuela ocultaba su origen mexicano. La repentina muerte de Valens en un accidente de aviación, truncó la esperanza de ver hacia donde podía evolucionar esta tendencia.

Durante los años 60's se desarrollaría de manera underground en California, y muchos de los músicos entrarían en constante contacto con la gente del norte de México. Es así como Carlos Santana, de origen mexicano, empezaría sobresalir en la escena y es invitado para tocar con su banda en Woodstock en el año 1969. Su sonido fusionaba Tito Puente con la psicodelia y el rock.

En América Latina habían bandas que habían empezado a desarrollar estilos propios en la línea del rock de fusión o del rock chicano de Santana (aunque algunos afirman haber comenzado antes que él) como Traffic Sound o Black Sugar en Perú, Peace and Love en México, Génesis en Colombia, o Los Gatos, Almendra y Arco Iris en Argentina. En Estados Unidos, muchas de esas bandas recibieron mayor influencia del R&B y destacan War, Sapo, El Chicano, Azteca y Malo. Por entonces, pocas bandas interpretaban rock en español o en portugués, ya que incluso en la mayor parte de América Latina y Europa, los rockeros solían cantar en inglés, con excepción de Argentina donde a partir de 1967 el rock tuvo un amplio desarrollo con características propias y en español bajo la denominación de rock nacional, con expresiones artísticas destacadas como Los Gatos, Luis Alberto Spinetta y Charly García.

También en la década del 70, surge en Jamaica, un movimiento liderado por Bob Marley y la difusión mundial de reggae. Pero no será hasta finales de esa década, cuando el punk estalla en el mundo, y dentro de su filosofía empieza a tomar ritmos de todo el mundo (worldbeat) destacando en ese papel The Clash, con su álbum London Calling, donde fusiona con ritmos latinos.

Posteriormente, la década del 80 se caracteriza por el surgimiento de un rock-pop latino masivo, con influencias directas de grupos como The Cure y Depeche Mode. Sin embargo, también surge un movimiento rock fuertemente agresivo y comprometido con los movimientos anti-dictatoriales, siendo uno de sus casos más representativos la banda chilena Los Prisioneros, durante el régimen militar de Augusto Pinochet. Del mismo modo, el rock mexicano experimentaba la consolidación del rock progresivo y el heavy metal, y Argentina vivía el boom de Soda Stereo y Charly García.

En la década del 90 serían bandas latinoamericanas como Café Tacuba (México), Los Tres (Chile), Karamelo Santo (Argentina) y Los Fabulosos Cadillacs (Argentina) las que empezarían a incluir ritmos tradicionales de sus países u otras partes América Latina. En Francia, Manu Chao, un artista local hijo de exiliado español, sentó con Mano Negra las bases del mestizaje. La fusión del rock, con lo árabe, el punk, el rap y el reggae. Letras combativas cantadas en argot callejero y espíritu festivo. Un estilo, una nueva forma de entender el rock, que fue acogida con particular entusiasmo cuando llegarían a Sudamérica en 1992, ayudando a forjar la identidad al género.

Los géneros fusionados no tienen límite, pueden ser la salsa, el merengue, la cumbia, la música brasileña, las rancheras, el ska, el reggae o la música andina. Artistas anglosajones se encantaron por el género utilizándola en su música o apoyando a otros artistas del género. David Byrne (líder de Talking Heads), Peter Gabriel o Paul Simon, abrazaron el mestizaje como la música del futuro y trazaron una senda que después ha sido retomada por los músicos electrónicos de baile.

HOMBRES G

Hombres G es una de las bandas de nacionalidad española de pop/rock con mayor trascendencia desde su aparición a mediados de los años ochenta hasta la actualidad, dadas sus cifras de ventas y la dimensión de su éxito, que abarca tanto España como América además de algunos puntos en Portugal.

A David Summers Rodríguez, Rafael Gutiérrez Muñoz, Daniel Mezquita Hardy y Javier Molina Burgos el éxito los sorprendió más pronto que tarde, por lo cual se vieron obligados a lidiar con multitudes enardecidas durante buena parte de la década de los 80 e inicios de los 90. Fueron evolucionando desde el Pop/Rock y el Punk adolescente de sus comienzos hacia terrenos más personales.

Para ellos no hubo precedente. Según la leyenda, David Summers (voz y bajo) conoció a Rafael Gutiérrez en 1982, formando como figurantes en una grabación de un programa en TVE. Poco más tarde le pidió que se uniera a su grupo, un conjunto de pop/punky con nombres tan dispares como "La Burguesía Revolucionaria" o "Los Residuos", con sus amigos Daniel (guitarra y coros) y Javier (batería), y de modo tan sencillo cobraba cuerpo la formación clásica del grupo. En 1983, con el nombre "Los Bonitos Redford", la banda debutaba, en el mítico local madrileño Rock-Ola, combinando inspirados textos naif con guitarrazos de influencia Beatle, melodías que podrían recordar al cuarteto de Liverpool en sus inicios y un regusto a la New Wave que llegaba, también de las islas británicas. El grupo llamado Los Nikis puso en contacto a los chicos con la discográfica que editaba los discos del citado grupo y así, en febrero, fichaban por Discos Lollipop.

En 1984 se editaban sus primeros singles, "Milagro en el Congo"/"Venezia", ya con el nombre definitivo de "Hombres G",nombre que provenía de una película de cine negro americano de los años 30,y en el que los G-Men eran hombres del Gobierno que luchaban contra el crimen. Meses después, se editaría un segundo single, con "Marta tiene un marcapasos" / "Burt Lancaster", mientras seguían actuando en directo y esperando su momento;pensaron incluso en abandonar,ya que nadie apostaba por ellos,y en ese momento el grupo se encuentra en un callejón sin salida,es cuando el destino mueve ficha,y Paco Martín,ejecutivo discográfico,se pasa a verlos siguiendo algún que otro consejo;lo que aquella noche vió en la Sala Autopista le sirvió para comprobar que era lo que andaba buscando. Meses mas tarde, el grupo grababa su primer elepé, autotitulado. Poco a poco, el single Devuélveme a mi chica comenzaría a sonar en las radios hasta ser tarareado por gente de todo tipo. Con este tema, y con el recuperado Venezia, Hombres G se convertía en un fenómeno social. Era 1985, la banda vivió en un desenfreno: cientos de miles de discos vendidos, fans enloquecidas, calles colapsadas a su paso... Mientras la popular movida madrileña congregaba a sus adeptos en discotecas y pubs afines, David, Rafa, Daniel y Javi eran requeridos en recintos de grandes dimensiones en todo el país. Ese fue su año. El primer disco en unos meses fue Disco de Oro, con el paso del tiempo sobrepasaría los 400.000 ejemplares, algo inimaginable para un grupo español en ese momento; hay que tener en cuenta que, por ejemplo, un grupo consagrado como Radio Futura, en todo su apogeo, con su "Escuela de calor" se movía por las 30.000 copias, siendo de los punteros en el panorama musical español.Ese año harían un total de 65 actuaciones en España.

SU SEGUNDO ALBUM

En febrero de 1986 el grupo volvió a los estudios para grabar su segundo álbum, que pasó a titularse como una de sus primeras canciones: La cagaste... Burt Lancaster, aunque ésta no fuera incluida en el álbum por considerarse que "sonaba mal". Un mes antes de estar en las tiendas ya tenían peticiones en firme por más de 100.000 unidades, cifra que sería amplísimamente superada en cuanto el disco apareció en el mercado. Para esa ocasión recuperaron otro de los temas publicados en los singles de Lollipop, "Marta tiene un marcapasos", que sería uno de los tres singles que llegaron al número uno de las listas de ventas españolas. Los otros dos fueron "El ataque de las chicas cocodrilo" e "Indiana". Este disco superó incluso al primero, convirtiéndose en el más vendido de la historia del grupo.En territorio español comenzarían la gira el 1 de marzo, completando 114 actuaciones.

Con el mercado consolidado en España, Paco Martín apostó por llevar el grupo a América. Envió copias de los discos a distintas compañías de todo el continente. Recibió la primera respuesta de las oficinas peruanas de CBS. A mediados de 1986 se editó Hombres G en el país andino; el disco superó en pocas semanas las ciento cincuenta mil copias. Dadas las circunstancias, poco después se publicó también La cagaste... Burt Lancaster repitiéndose la jugada. La siguiente llamada telefónica fue de las oficinas centrales de CBS en Nueva York, para distribuir Hombres G en toda América. En 1987 realizan su primera gira fuera de España y el primer país que optan por recorrer es Perú, donde realizan una extensa gira por las ciudades Piura, Chiclayo y Trujillo, además de dos llenos totales durante dos días consecutivos en el Estadio Nacional de Lima.

Tal y como había sucedido en Perú, Hombres G fue también un éxito en México, Colombia y Venezuela, donde obtuvieron "Discos de Oro" y "Platino". En diciembre de 1986 el grupo recibió la invitación para asistir en Miami a la gala de los Premios Bravo, ya que figuraban como candidatos en tres categorías. Ganaron en la de Mejor agrupación de habla hispana.

SU ASTA LUEGO

Su forma de decir «hasta luego» fue el 20 de mayo de 1992 con la aparición en el mercado de Historia del bikini. Un disco producido por Colin Fairley(productor de Tears For Fears), por cuyas manos habían pasado cantantes pop como Elvis Costello o Nick Lowe. A partir de entonces y por distintos motivos la banda se separó. Este disco fue raro, no es que hubiese malos rollos, pero todo es más monótono, y eso se traduce en letras más oscuras, menos atención por su parte, menos magia en los conciertos, menor aforo; habían sido años muy intensos, todos los años un disco, promociones, giras, dos películas, necesitaban un parón. Historia del bikini llegó a vender casi 100.000 copias, un descenso para ellos, y que esperaban de algún modo.

David comenzó tiempo después una carrera como cantante en solitario publicando varios álbumes y realizando varias giras por España y Latinoamérica. Los demás componentes del grupo siguieron ligados al mundo de la música, pero siempre desde un segundo plano. Rafa, estuvo tocando la guitarra como colaborador en otros proyectos musicales. Dani comenzó a trabajar como productor musical en la compañía discográfica DRO East West y Javi siguió ligado a la música con la gestión de su bar musical y dándole a la batería con algunos grupos que allí tocaban. Después del hasta luego de 1992, fueron apareciendo diferentes recopilaciones donde se recogían canciones del grupo, agrupadas bajo el concepto de singles o de baladas, pero nunca ofreciendo material nuevo ni inédito. La compañía lanzó en 1993 el recopilatorio "Los Singles", que llegó a despachar nada menos que 3 millones de copias, y es que los discos de Hombres G nunca han dejado de venderse(sobre todo en América), y no han podido descatalogarse; hasta ese momento tienen siete discos de estudio grabados, más de seiscientos conciertos, millones de discos vendidos y miles de seguidores,Hombres G pasaron a la historia de la música pop-rock en español.

SU REAPARICION

Los diez años posteriores a la separación de la banda estuvieron siempre tras la sombra de los años maravillosos del cuarteto liderado por Summers. En América, se formaban clubes de fans. El Detonante principal para que se realizara el reencuentro del grupo fue la realización de una Página de Internet llamada "Hombres G en la Web" en 1999, la cual fue desarrollada por sus seguidores Carlos Humberto Corona e Ivan Gabriel Méndez desde la ciudad de Tampico, Tamaulipas, en la cual publicaron información, fotografias y un diseño en ese entonces novedoso, el cual llamó la atención de los fans de todo el continente Americano, hecho que desencadenó un sinfin de páginas web, despertando así la G-manía por Internet, y por consiguiente las futuras charlas entre los integrantes del grupo para volver a retomar lo que habían dejado aparcado diez años atras,empezando con algunos conciertos...

No era sencillo, eran ya muchos años lejos del medio como agrupación, por lo que la decisión no estuvo exenta de largas horas en las que las ideas iban del entusiasmo de la posible vuelta a la duda del qué pasará, llegando a la conclusión de que tenían que volver, porque había mucha gente pidiendo su vuelta, sobre todo en América.

Pronto se dieron cuenta de que tenían que volver con algo nuevo, aunque no fuera en su totalidad, de esta forma surgió el "Peligrosamente Juntos", disco que incluía temas nuevos, algunos demos, así cómo algunos de los grandes éxitos que los de Madrid colocaron en lo más alto del gusto popular, durante los 80's y parte de los 90's. De dicho material se extrajo "Lo Noto", single que no tardó en ser número 1 en todas las radios de América, incluido: México, Colombia, Perú, Ecuador, Venezuela y todos los países que demostraron que no se habían olvidado de los llamados Beatles latinos. Sólo en México en varias semanas habían vendido 175.000 copias; en toda América sobrepasaría 1.500.000 ejemplares.

El "Peligrosamente Juntos" 2002 se editó para Europa de manera distinta a como había sido planeado para América, pues en el caso de esta última los temas nuevos eran: "Lo Noto" (ya mencionado) y "En otro Mundo", en tanto que para el viejo continente se agregó: "Intimidad","No te escaparás","Te vi".

Dicho material incluía además, grabaciones inéditas que quedaron aparcadas con el paso de los años como por ejemplo La cagaste... Burt Lancaster que nunca llegó a ser incluida en ninguno de los álbumes anteriores,"Mi cumpleaños", o "El tiempo no es mi amigo" (segunda versión), ambas ideadas para formar parte del disco blanco de los Hombres G,Ésta es tu vida1990,aunque al final se decidiera por no incluirlas. El disco fue lanzado en España en mayo de 2003, lo cuál llevó a la banda a embarcarse en una gira de casi 70 conciertos (además de la ya mencionada por América) por varias ciudades españolas,llenando en casi todos los sitios. Destacan los conciertos realizados en Las Ventas, en Madrid, con más de veinte mil fans (momento que quedó inmortalizado en un DVD), el del Palau Sant Jordi de Barcelona o el de la plaza de toros de Alicante con más de diecisiete mil personas. El disco fue un éxito con más de 160.000 copias vendidas solo en España.

Más tarde, a finales de 2003 grupos y músicos del rock-pop español como El Canto del Loco, Los Piston, Antonio Vega, Los Secretos, Mikel Erentxun, Seguridad Social, Álex Ubago o La Cabra Mecánica, entre otros, se reunieron por parte de España para rendir tributo a Hombres G con el disco Voy a pasármelo bien que se editó el 3 de febrero de 2003, el cuál contenía las versiones personales de dichos artistas de clásicos como Venezia, Devuélveme a mi chica, Visite nuestro bar, Marta tiene un marcapasos o Temblando. El disco-tributo obtuvo un notable éxito y confirmó la ilusión que despertaba en los fanáticos de los Hombres G, el tenerles de vuelta. Otro tributo fue editado en América con la participación de diferentes agrupaciones como División Minúscula, Moderatto, Moenia, Volovan, Resorte, Los Bacilos y La Quinta Estación, esta última integrada por españoles afincados en México. Este disco tributo superó con creces en España el Disco de Oro,con más de 75.000 copias vendidas, algo que describe muy bien lo que significó el grupo para miles de personas,y que había perdurado en el subconsciente de toda una generación.


Hombres G en concierto. Javi durante la introducción de "Venezia".Ya en 2004, Hombres G presenta El año que vivimos peligrosamente. Este disco pretende resumir lo mejor de la banda en directo durante la gira Peligrosamente Juntos. Grabado entre varias ciudades españolas (Madrid, Leganés y Barcelona), México, D.F. y Estados Unidos (Nueva York y Los Ángeles), recoge el furor que les acompañó en cada concierto ofrecido durante el último año. Éste viene a ser su primer disco en directo. Todo esto también fue presentado en un Box Set que incluye el CD El año que vivimos peligrosamente, el DVD En Directo Las Ventas 1 de julio de 2003 y un backstage conmemorativo del concierto de Las Ventas.

También en 2004 se reeditaron sus dos películas en formato DVD. Ambas fueron distribuidas en un pack llamado "Hombres G-Las películas",de los cuales se vendieron más de 20.000. Los seguidores de ayer y hoy pudieron obtener Sufre mamón y Suéltate el pelo remasterizadas con sonido digital, en calidad DVD y multitud de extras como entrevistas, tráileres, cómo se hizo, comentarios de las escenas por los mismos Hombres G, subtítulos en español e inglés, etc.

GRAMY HONORIFICO

En mayo de 2006 la presidencia de la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación les otorga el Premio,por su exitosa y apasionada trayectoria artística que,ademas de ser parte fundamental de la historia musical,ha contribuido a dignificar y difundir internacionalmente la música del pop-rock iberoamericano.

10 Todo esto es muy extraño tuvo poca difusión en América, y aún menos en México, por lo que la banda trabajó en un nuevo álbum, que vio la luz el 18 de septiembre de 2007 titulado "Diez", encaramándose al número 1 de listas de ventas españolas la primera semana, y con la canción "Me siento bien" ([1]) como primer single, con el que recompensaron a sus fieles fanáticos dando una gira mundial. En el 2008 publicaron su segundo sencillo "Nunca más" del álbum 10. Hasta este momento, los Hombres G han vendido a nivel internacional más de 20 millones de discos. "Hombre Real" y "Loco de amor" son los otros singles de este álbum, avalado por público y crítica.

rock industrial

El rock industrial, es un género musical que mezcla la música industrial con elementos más específicos del rock, principalmente el punk rock y el hard rock. Los primeras en fusionar estos estilos fueron algunos grupos de música post-punk, como Chrome, Killing Joke, Swans, Foetus y Big Black. A menudo se confunde este estilo con el metal industrial, aunque este último solo sea una variante del rock industrial.

El rock industrial utiliza los instrumentos típicos del rock, guitarras eléctricas, bajos y baterías y mezcla esto con ruidos blancos y equipos de música electrónica (sintetizadores, secuenciadores, samplers y cajas de ritmos). Normalmente se distorsiona el sonido de la guitarra de alguna manera, mientras que no se hace lo mismo con el bajo o la batería, que se pueden tocar o crearse los sonidos a partir de un programa informático. Este estilo incluso mete también a veces sonidos de máquinas y fábricas trabajando. Toda esta mezcla fue creada por algunos artistas pioneros en el estilo en los 80, como SPK, Einstürzende Neubauten, Die Krupps o Test Dept. Estos grupos basaban su música en sonidos metálicos creados a través de cañerías, tuberías u otros materiales de fábricas

metal rock

El heavy metal (literalmente en español metal pesado) es un género musical que tiene elementos del rock and roll, también del blues y de la música clásica. Se caracteriza por ritmos potentes logrados mediante la utilización de guitarras distorsionadas, baterías con doble pedal, y bajos pronunciados.[1]

El término heavy metal, debido a la progresión que ha sufrido este género desde su creación, se usa actualmente para hacer referencia a dos conceptos distintos: heavy metal (o simplemente "metal") como género musical, donde cabrían los diferentes subgéneros; y heavy metal (o "heavy metal clásico") como subgénero musical, correspondiente a los grupos pioneros y a los que siguen la vertiente clásica.

El origen del término "heavy metal" no es claro. Una versión defiende que fue acuñado por el escritor William S. Burroughs, quien en su novela de 1961 The Soft Machine, incluye al personaje "Uranian Willy, the Heavy Metal Kid" (Uranian Willy, el chico "Heavy Metal").[2] En su siguiente novela, del año 1964, titulada Nova Express, desarrolla aún más este concepto de "heavy metal", convirtiéndolo en una metáfora de las drogas adictivas.[3] Otro de los aspectos destacables de estas novelas es el uso frecuente del sonido como agente liberador de la vida programada y la alienación causada por un mundo cada vez más mecánico.

Otra teoría, posiblemente apócrifa, señala como origen del término a un crítico de rock quien en 1967 dijo que la música de Jimi Hendrix era "like heavy metal falling from the sky" (en español: "como metal pesado cayendo desde el cielo").[4]

Humanoides Asociados, una agrupación de creativos del mundo del comic francés, crearon una serie de cómics de ciencia ficción, en la revista creada para este propósito, Métal Hurlant (Heavy Metal) en su posterior versión estadounidense de la francesa Métal Hurlant.

La palabra "heavy" (traducido como serio o profundo del argot norteamericano[5] ) había entrado en la contracultura algún tiempo antes, y las referencias a la música "heavy", normalmente variaciones más lentas y amplificadas del pop normal, eran comunes. En 1968 aparece por primera vez el término "heavy metal" en una canción, en la frase "heavy metal thunder" de la canción de Born to be Wild del grupo Steppenwolf.[6] [7] Ese mismo año Iron Butterfly publica su álbum debut titulado Heavy.

Durante mucho tiempo, la creación del término fue atribuida al crítico Lester Bangs de la revista Creem, que lo utilizó para describir una representación del grupo MC5 de Detroit en 1968[cita requerida]. Se considera que Lester Bangs popularizó el término a principios de los 70 para describir a grupos como Led Zeppelin y Black Sabbath.[8] Sin embargo, el primer uso documentado del término es de mayo de 1971, en una crítica del disco Kingdom Come de Sir Lord Baltimore de la revista Creem a cargo del redactor Mike Saunders.[9]

Otra teoría afirma que en 1969 el crítico y periodista David Fricke de la revista especializada CIRCUS agrupó a diferentes bandas tales como Black Sabbath, Deep Purple e incluso Cream dentro del naciente movimiento al que bautizó heavy metal debido a la similitud con el característico sonido, densidad y pesadez que entrañaban los temas de Humble Pie (agrupación liderada por Steve Marriot y Peter Frampton) y la etérea y dura atmósfera experimentada en sus conciertos.[cita requerida]

Durante 1969, John Peel de la BBC presentó oficialmente a Humble Pie como la primera banda heavy metal, no haciendo referencia a su música y sonido sino a la cantidad de volumen utilizado en su interpretación de cortes clásicos de blues consagrados durante la década de los cincuenta.[cita requerida] Como dato adicional, el disco de Humble Pie Performance Rockin The Fillmore de 1971 fue el primer álbum editado en el que en la contraportada aparecía una pequeña etiqueta señalándolo como heavy metal, esto en los primeros tirajes del LP que debido a la duración del mismo fue originalmente lanzado como álbum doble.[cita requerida]

Sandy Pearlman, productor, representante y compositor de la banda Blue Öyster Cult, asegura que él fue el primero en aplicar el término "heavy metal" a la música rock durante la década de los 70. En 1971 realizó una crítica para la revista americana Crawdaddy!,[10] del álbum The Notorious Byrd Brothers de The Byrds donde calificaba como "heavy metal" a la canción Artificial Energy.[11]

Los términos "heavy metal" y "hard rock" han sido utilizado muchas veces como sinónimos, especialmente al hablar de grupos de los años 70.[12] Sobre cómo el término "heavy metal" se popularizó es un asunto que permanece en la oscuridad. El propio Ozzy Osbourne suele referirse al genero más como rock and roll que como heavy metal, así que probablemente la NWOBHM haya tenido algo que ver. Algo después, en 1988, Judas Priest graba un tema titulado Heavy metal.

elvis presley

Elvis Aaron Presley[1] [2] (Tupelo, Estados Unidos, 8 de enero de 1935 – Memphis, Estados Unidos, 16 de agosto de 1977), conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX.[3] La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey.[4]

Durante su carrera, protagonizó 31 películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones.[5] Grabó un total de 150 álbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias.[6]

A pesar de su muerte, su legado continúa produciendo beneficios, vendiendo discos y todo tipo de artículos ornamentales. Debido a su estatus, sirve de inspiración de muchos otros músicos y cantantes, tanto dentro como fuera del género Rock. John Lennon, de The Beatles, fue en sus comienzos uno de sus principales devotos.[7]

Discográficas como Rca y BMG, comentan que ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos desde 1980. Asimismo, cuenta también con detractores que cuestionan dicho nombramiento acreditando el mérito a otros rockers de la época.

El Rock and Roll Hall of Fame and Museum cita lo siguiente:[8]

Por haber surgido de circunstancias humildes y haber lanzado con su imponente voz y con su carismática presencia en los escenarios, lo que fue la revolución rockabilly, Elvis, es indiscutiblemente el «Rey del Rock and Roll»
La revista Rolling Stone lo presenta como el tercer intérprete de toda la historia en su lista "The Immortals" (superado solo por The Beatles y Bob Dylan).

rock emo

El emo es un género musical derivado del post-hardcore nacido a finales de los años '80 y que se diferencia de éste por su sonido más lento y melódico. También está considerado una corriente del rock alternativo[cita requerida].

El término emo es un apócope de emotive hardcore[1] [2] o emo-core y hace referencia a las letras de los grupos del género, caracterizadas por abordar, a diferencia del hardcore punk, temas más personales utilizando letras más introspectivas en sus composiciones, buscando de esta manera generar las mismas emociones en el oyente. Para lograr una mayor expresividad utilizan en su música cambios de ritmo y crescendos, combinando en una misma canción estallidos de furia heredados del hardcore, con sonidos más apacibles.

A lo largo de su historia, el emo ha pasado por varias etapas. A finales de los '80 el término emo se utilizaba para calificar a las bandas de la escena musical underground de Washington D.C. como Rites of Spring, Embrace, Fugazi, entre otras. A mediados de los años '90, el género adoptó los patrones sonoros creados por Sunny Day Real Estate. Hoy en día, el término es utilizado para etiquetar bandas de diversos estílos como el rock alternativo, el pop punk, el post-hardcore e incluso el metalcore.

Las bandas más populares usualmente catalogadas dentro de este estilo musical son Dashboard Confessional, Saves The Day,Thursday, Amber Pacific y Jimmy Eat World.

Como consecuencia del cambio sustancial y la poca relación entre el sonido de las bandas de la escena emo-core de los '80 e inicios de los '90 con el de las bandas actualmente etiquetadas dentro del género, se han generado dos vertientes en el uso del termino "emo". Mientras unos afirman que el género desapareció a fines de los '90 (Junto con el álbum Clarity de Jimmy Eat World), otros aceptan su uso para catalogar el estilo de diversas bandas de la escena popular.

britpop

El Britpop (BRITánico) es un género musical nacido a mediados de los 90, caracterizado por la aparición de bandas influidas por grupos de las décadas de los 60 y 70 como The Beatles o The Kinks. Fue increíblemente popular durante los años 1994-1996.

Este movimiento nació como una reacción frente a otros estilos de moda durante finales de la década de los 80 y principios de los 90. El acid house había generado un renovado interés en canciones lideradas por el ritmo y el groove en la música pop británica (un ejemplo clásico fue el conjunto Happy Mondays). En los inicios de este nuevo movimiento, la clásica estructura musical ordinaria en cualquier banda pre-existente (liderada por los acordes de la guitarra), tropezaba ante los nuevos estilos derivados de la música electrónica. El movimiento shoegazing en los últimos años de la década del 80 respondió mediante la realización de canciones largas, psicodélicas y repetitivas, influenciadas por bandas como My Bloody Valentine. Como el nombre sugiere, las actuaciones en directo tendían a ser "ejercicios de resistencia". Tras esto, hubo un corto pero crucial movimiento denominado la "Nueva Ola de la Nueva Ola", que produjo bandas derivadas y que fue crucial en la reorientación del pop británico hacia la escritura de canciones "clásica".

Aunque los grupos Britpop no tenían un sonido único que les uniese, los medios de comunicación los llamó primero una "movida" y más tarde un "movimiento cultural nacional". Blur, Suede, Radiohead, Elastica, The Verve, Placebo, Oasis y Pulp se consideran como los principales grupos del movimiento. Los grupos Britpop trajeron el rock alternativo británico a la corriente dominante y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural más grande llamado "Cool Britannia". Aunque los grupos más populares fueron capaces de extender su éxito comercial fuera del Reino Unido (especialmente a Estados Unidos), la tendencia se desarticuló casi por completo al final de la década de los 90.

Actualmente, el movimiento se considera pasado, dado que la mayoría de bandas han desaparecido (Pulp, Suede), o han cambiado profundamente de estilo (Radiohead, The Verve ). Las nuevas bandas que aparecen en la década de 2000, han declarado haber sido influenciadas por bandas de Britpop, dejándose ya un legado a la historia de la música.

rock grunge

El grunge, en ocasiones conocido como sonido de Seattle,[6] es un subgénero del rock derivado del indie rock y del rock alternativo influenciado por el noise pop, tomando sonidos cercanos al hard rock, el heavy metal, el punk y el hardcore punk y con estructuras cercanas al pop rock clásico.[1] [2] [3] Surgió a finales de la década de los ochenta, con grupos provenientes principalmente del estado norteamericano de Washington, en particular, del área de Seattle. La primera compañía que impulsó y dio a conocer el género fue la discográfica Sub Pop, apoyando a bandas que serían fundamentales en el desarrollo del naciente género, como Green River, Soundgarden o Nirvana. Las características distintivas del sonido grunge eran sus guitarras fuertemente distorsionadas y enérgicas, melodías vocales muchas veces pegadizas y repetitivas así como los cambios de ritmo de las canciones encuadradas dentro del género, mientras sus letras se caracterizaban por reflejar apatía y desencanto.

El grunge se expandió a nivel mundial durante la primera mitad de la década de los noventa, impulsado principalmente por el éxito comercial de los álbumes Nevermind de Nirvana y Ten de Pearl Jam. Dicho éxito catapultó la popularidad del rock alternativo e hizo del grunge el género de hard rock más popular de ese tiempo.[2] A pesar de esto, muchos grupos estuvieron siempre incómodos con su estatus de superestrellas y por la aparición, a causa de la influencia de los medios, de un movimiento grunge, lo que en algunos casos les provocaron conflictos internos que los llevaron desde la separación hasta la muerte de algunos de sus integrantes.

La popularidad del grunge comenzaría a desvanecerse a mediados de la década de los noventa. De las grandes bandas que dieron vida al movimiento, en 2008 sólo quedan activas Pearl Jam, Mudhoney, The Melvins, Soundgarden, Stone Temple Pilots y Alice in Chains.[7] Aún con esto, la influencia del grunge fue determinante en el posterior desarrollo del rock.

funk

Funk es un género musical, muy popular durante los 70, que apareció en los primeros años 60 en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de Estados Unidos. Nacido como una evolución de algunos elementos del Soul y el Jazz anteriores aderezados por influencias latinas como la rumba, el funk se consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí en adelante.

Un instrumento fundamental para este estilo de música es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap, técnica popularizada por el bajista de Sly & The Family Stone, Larry Graham, que consiste en alternar golpes del pulgar sobre las cuerdas con estiramientos de éstas.
La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples alternadas con rasgueos secos, generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando profusamente efectos como el flanger, el Wah Wah y filtros con control de envolvente para acentuar el componente rítmico. Generalmente suelen utilizarse subdivisiones rítmicas en semicorcheas.
La batería tiene una métrica y síncopas característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop, breakbeat y más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más repetitivas y marcadas.

paramore

Paramore es una banda rock alternativo formada en Franklin, Tennessee en 2004, nominada a los premios Grammy, integrada por Hayley Williams (voz), Jeremy Davis (Bajo), Zac Farro (batería), Josh Farro (guitarra) y Taylor York (guitarra). En 2005 editaron su primer álbum All We Know Is Falling, en 2007 lanzan su segundo disco Riot! que fue certificado con el Disco de Platino en Estados Unidos y Oro en el Reino Unido, Irlanda y Nueva Zelanda. Su tercer trabajo, Brand New Eyes fue lanzado el 29 de septiembre de 2009 debutando en el número 2 del Billboard 200 vendiendo 175,000 copias en su primera semana

Hayley Williams se mudó de Meridian, Mississippi, donde conoció a los hermanos Farro mientras asistía a una escuela privada.[7] [8] Poco depués de llegar, Hayley comenzo a tomar lecciones de canto con Brett Manning.[9] Sin embargo, antes de formar Paramore, Williams y el bajista Jeremy Davis, junto con su amigo Lee Kimee, formaron parte de una banda funk de covers llamada The Factory, mientras que los hermanos Farro practicaban juntos después de escuela.[7] [10] La banda se formó oficialmente por Josh Farro (guitarra / coros), Zac Farro (batería), Jeremy Davis (bajo) y Hayley Williams (vocalista) en 2004,[11] con la posterior adición de vecino de Williams, Jason Bynum (guitarra rítmica).[7] Segun Williams, el nombre de la banda proviene del apellido de la madre de uno de los primeros miembros de la banda, cuando se dieron cuenta que sonaba igual que la palabra paramour en frances y significaba "amante secreto" por lo decidieron adoptarla como nombre pero con la ortografía de "Paramore".[12] Posteriormente, Paramore se presento en lugares fuera del área metropolitana de Nashville, incluyendo los festivales de conciertos Purple Door y Warped Tour. John Janick, dueño y co-fundador del sello discográfico Fueled by Ramen al escuchar algunos demos de la banda viajo a Orlando, Florida, para verlos tocar en vivo. Después de una actuación privada en un pequeño almacén, la banda firmó con el sello en abril de 2005.[13]

Paramore viajó de regreso a Orlando, Florida, pero poco después de llegar, Jeremy Davis dejó la banda, citando razones personales para hacerlo. Los restantes cuatro miembros de Paramore continuaron con la composicion del álbum, cuyo nombre All We Know Is Falling fue inspirado por Jeremy. La carátula del álbum refleja el dolor de la banda con respecto a la partida de este, a lo que que Hayley explica : "El sofá en la portada de All We Know Is Falling con nadie allí, y la sombra que se va, es acerca de Jeremy y como a nosotros nos deja sentir que hay un espacio vacío."[13] Las grabaciones del álbum tardaron solo tres semanas, y antes de comenzar con la promoción, la banda integro a John Hembree para así reeplazar a Jeremy.[14] Después de 5 meses de haber dejado la banda, Davis se reintegro a esta a pedido de sus compañeros, sustituyendo a Hembree.[15]

All We Know Is Falling fue lanzado el 24 de julio de 2005, y alcanzó el número 30 en la Heatseekers Billboard Chart, pero no logro entrar en el US Billboard 200. El primer single fue "Pressure", con un vídeo dirigido por Shane Drake, pero la canción no tuvo el éxito esperado. En julio "Emergency" fue lanzado como segundo single, cuyo vídeo fue nuevamente dirigido por Shane Drake, ademas de contar con la aparición de Hunter Lamb (guitarra rítmica), quien reemplazó a Jason Bynum.[8] El tercer y último single promocional fue "All We Know", cuyo vídeo consiste en un conjunto de actuaciones en vivo y escenas tras bambalinas. Tras participar en giras y festivales durante el 2006, en 2007 Hunter Lamb decide abandonar la banda para casarse, dejando a Paramore con cuatro integrantes.

El 20 de octubre de 2009 All We Know Is Falling fue certificado con el Disco de Oro en Los Estados Unidos tras vender 500,000 copias

el punk rock

El punk es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y tempos rápidos.

Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue sólo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas.

the beatles

The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en 1960.[2] Durante su carrera se ha convertido en una de las más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música popular.[3]

Desde 1962, el grupo estaba integrado por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, abarcando desde el folk rock hasta el rock psicodélico. Sus vestimentas, estilo y declaraciones marcaron las tendencias de su época, mientras que su gradual aumento de la conciencia social vio extender su poder de influencia a los cambios sociales y culturales acaecidos en los años sesenta. Después de ocho años de carrera musical oficial, The Beatles se separaron en 1970 por conflictos personales entre sus integrantes.

En el Reino Unido, The Beatles publicaron 36 discos diferentes entre sencillos, EP y álbumes que alcanzaron el número 1, situando más álbumes en esta posición (11 en total, entre 1963 y 1970) que cualquier otro grupo en las listas musicales británicas.[4]

Se estima que, para 1985, se habían vendido más de 1.000 millones de discos de The Beatles a nivel internacional.[5] Fueron, asimismo, los artistas que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos, de acuerdo con la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos.[6]

En 2004, la revista Rolling Stone clasificó a la banda en el n.º 1 en su lista de los "50 artistas más grandes de todos los tiempos."[7] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta,[8] cuya influencia en la cultura popular actual aún sigue siendo evidente. Unos años más tarde también fueron posicionados en el puesto n.º 1 entre "los 1.000 mejores artistas de todos los tiempos" por el sitio web Acclaimedmusic.net.[9]

NO LES PODEMOS PONER LA IMFORMACION COMPLETA YA QUE LOS ABURRIRIAMOS MUCHO Y ES LO QUE NO QUEREMOS GRACIAS POR SU COMPRENCION ...

el piano rock

El piano rock es un género musical derivado del rock basado en el piano. Entre sus mayores exponentes se encuentran Jerry Lee Lewis, Dresden Dolls, Ben Folds Five, SNM,The Fray, Queen o Elton John. También el piano rock se destaca en bandas como Radiohead en su sencillo "Karma Police", Keane en sus canciones "Everybody's Changing" y "Somewhere Only We Know" y Muse en canciones como "Sunburn", "Ruled by Secrecy" o "Space Dementia". Otras banda destacada de este género son The Fray y Coldplay con canciones como "You Found Me" o "Clocks", respectivamente.


Piano Rock Songs
2009 Noviembre 23
etiquetas: Música, Metal, Pop, Rockby Patricio
.Para mí el Piano es un instrumento muy rockero, por extensión y deformación toda banda de rock que se precie de tal – salvo notorias excepciones – en mi concepto ha de tener teclados, aunque en el ideario colectivo este noble instrumento de cuerda – piano – esté indisolublemente ligado a la música docta.

Tengo un trauma con el piano, sobretodo desde que la madre de mi padre me forzó a la enseñanza del piano y con ella como instructora, experiencia inolvidable y no por lo bueno precisamente.

A continuación mi catálogo de grandes temas de rock tocados en piano, no pretendo agotar la lista ni mucho menos, pero aquí les va:

tokio hotel

Tokio Hotel (anteriormente Devilish) es un grupo musical juvenil de pop rock de origen alemán.[2] Está formado por el vocalista Bill Kaulitz, el guitarrista Tom Kaulitz, el bajista Georg Listing y el baterífa Gustav Schäfer.

El grupo fue fundado en 2001 bajo el nombre de Devilish ('Diabólico'), aunque lo cambiaron a Tokio Hotel tras fichar en 2003 por Sony. El primer álbum se editó finalmente en 2005, tras firmar con la discográfica Universal.[5] Este disco alcanzó ventas varios millones de discos sólo en Alemania y el éxito se extendió pronto a Austria, Suiza, y otros países europeos orientales.[6] Con nueve discos de platino y cuatro de oro en Alemania, son la banda nacional más exitosa. Además, cuentan con cuatro discos de oro adicionales por las ventas en Austria y Suiza.[5] Este primer álbum, Schrei, y el segundo, Zimmer 483 ('Habitación 483'), publicado en 2007, se han refundido en un solo álbum, Scream, con canciones en inglés especialmente diseñadas para el público anglosajón.[5] En 2007 el grupo vendió alrededor de un millón y medio de álbumes.[7]
Los gemelos Tom y Bill fueron alentados musicalmente por su padrastro (Gordon Trümper), guitarrista aficionado. En una aparición en el año 1995 en su ciudad natal, Magdeburgo, Gustav Schäfer y Georg Listing los vieron tocar con teclados en vez de con bajo y batería, y decidieron unirse a ellos. El resultado fue la fundación de la banda, que originariamente se llamaba Devilish y cuyo nombre cambiarían al firmar con Sony BMG en 2003, su primera discográfica. Empezaron tocando por pequeños clubs urbanos e incluso alquilaron un estudio, aunque no produjeron ningún álbum en él.[5]

el indie

El término indie proviene del inglés independent -independiente en español- y se refiere en general a cualquiera de los géneros, panoramas, subculturas y atributos estilísticos y culturales, con un acercamiento autónomo y un nivel de planteamiento que se reduce al lema

El término Indie se suele usar incorrectamente para referirse a un sonido nuevo que un músico presenta. Originalmente está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriéndose a aquellos músicos que producen su obra de manera independiente (palabra de donde deriva el termino) y no a un género musical.Durante los años 20 las grandes compañías norteamericanas (también conocidas como "multis" o "majors") tales como Columbia Records fueron desafiadas por cantidad de pequeñas discográficas llamadas "independientes". Estas estaban especializadas en el mercado de música de raza (negra), que es como se clasificaba entonces a los compradores de música blues y jazz pero el crack de finales de los años 20 minó a esas compañías que acabaron en bancarrota o en el mejor de los casos absorbidas por una "mayor".

El término "independiente" resurge en los años 50 en Norteamérica cuando el mercado discográfico lo conformaban canciones y sus intérpretes. Las grandes corporaciones discográficas pagaban a compositores para que compusieran canciones y buscaban a intérpretes para que las presentaran. Todas ellas tenían un sistema de distribución propio que aseguraba que todas sus canciones y discos llegaran a todos los puntos del país. Sin este sistema de distribución era muy difícil hacer que un disco pudiese disfrutar de un mínimo éxito, y cualquier discográfica pequeña evidentemente no lo tenía.


El término `indie´ suele utilizarse para definir un género musical, el cual en realidad no existe como tal. Lo `indie´ se refiere, en particular, a las condiciones de producción y edición de una obra que un grupo realiza de manera independiente, es decir, sin el apoyo de una compañía discográfica.
No obstante, la industria de la música tiende a identificar a varios grupos con esta etiqueta. En ella caben combos como Interpol, Hüsker Dü, Dinosaur Jr., Sonic Youth, The Jesus and Mary Chain, entre otros. Los estilos que aborda pueden pasar desde el rock alternativo hasta el post-punk, el new wave, y muchos más. Siempre objeto de debate entre los fanáticos, a veces el indie rock tiene que ver con bandas que sí tienen contratos con discográficas, por lo que definir realmente lo que significa el término es muy complicado.
La línea entre el `indie´ y el `mainstream´ regularmente es confusa y borrosa. Aunque a principios de la década de los años 80 el término fue acuñándose, emparentando más con lo que en ese momento era el alt rock, hacia finales del año 2000 algunas de las bandas insignia de esta corriente fueron firmadas por discográficas grandes, como Modest Mouse o Death Cab for Cutie, lo cual hizo que la confusión aumentara aún más.
El movimiento independiente se ha visto profundamente beneficiado por las nuevas tecnologías, mismas que permiten que un artista necesite cada vez menos del aparato discográfico para poder grabar y distribuir su sonido. Hoy día es posible tener un estudio casero con una buena calidad, aunado a la red de blogs y sitios web para que el público pueda escuchar su propuesta.
Varios grupos importantes en la actualidad, como Arctic Monkeys, surgieron de esa manera, a través de Internet y el famoso "word of mouth", que significa que de una persona a otra se va corriendo la voz de que hay un "nuevo gran grupo desconocido".

rock alternativo

El término rock alternativo hace referencia a un conjunto de géneros de rock que nacieron en los años 80 y alcanzaron sus mayores cotas de popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de ellos desde entonces. Estos términos se acuñaron en los 80 para describir la música de los grupos influidos por el punk rock que grababan sus discos en discográficas independientes y que no se ajustaban a la música mainstream de la época.[1] Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente desde los años 80, cabe destacar el grunge, el indie o el britpop, entre muchos otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él a finales de los 70.[2]


Aunque la denominación hace referencia al rock, algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros estilos como el pop rock, el folk, la música electrónica o el jazz entre otros. En ocasiones el término se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín para denominar, paradójicamente, al rock en general.[3] [4]

rock and roll

La música rock o rock and roll[1] es un género musical contemporáneo encaminado a englobar cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll.[2] Se caracteriza por el rítmo y la potencia, normalmente tiene un fuerte contratiempo. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y ocasionalente, instrumentos de teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores.
La música rock tiene sus raíces en la era del rock and roll y el rockabilly de los años 1950. A finales de los años 1960, la música rock se combinó con la música folk para crear el folk rock, con el blues para crear el blues rock y con el jazz, para crear el jazz-rock fusión, y sin una marca de tiempo para crear el rock psicodélico. En los años 1970, el rock incorporó influencias del soul, el funk, y la música latina. También en los años 1970, el rock desarrolló varios subgéneros, como el soft rock, el hard rock, el rock progresivo, y el punk. Los subgéneros del rock de los años 1980 incluyen el new wave, el new romantic, el glam rock, el synth-rock, el hardcore punk y el rock alternativo. Los subgéneros del rock de los años 1990 incluyen el rock estilo grunge, el britpop, el indie rock, el piano rock.

pop rock

El pop rock

es un género musical que, como su nombre indica, combina elementos del rock con otros propias de la música pop. Las canciones son identificadas por ser de estructura simple, melodía pegadiza y repetición del estribillo y por usar como base instrumental la guitarra eléctrica y el teclado.

A menudo se utiliza también la etiqueta pop rock para designar a la música rock moderna aunque es más factible la palabra soft rock

En el pop, a diferencia del soft rock, la instrumentación está en segundo plano, no hay claramente riffs y, si hay guitarras y batería, son generalmente suaves. Dentro de este género han destacado bandas y artistas como: U2, Michael Jackson, Blondie, Toto, Level 42, No Doubt , The Feeling, McFly o Busted


MOTEL

es un ejemplo de pop rock

Motel es una banda que tiene sus inicios en la ciudad de México a principios del 2002, cuando dos de sus integrantes se juntan para componer canciones sin mayor pretensión o expectativa que el divertirse y hacer buena música.

Estos dos integrantes son: Guillermo "Billy" Méndez (compositor y músico), quien a muy temprana edad tuvo contacto con todo tipo de influencias e instrumentos; hasta que en la guitarra encontró su instrumento ideal; y Rodrigo Dávila Chapoy (cantante, compositor y músico), quien desde su niñez formó parte de varias bandas experimentales. Rodrigo estudió composición clásica, guitarra clásica y music synthesis en escuelas como el IAA de California, el CIEM de la Ciudad de México y en Berklee College of Music de Boston, MA.

Así pues, Billy y Rodrigo juntos, comienzan esta nueva aventura, componiendo de manera ocasional en los salones de ensayo y en los estudios caseros. Y no es sino hasta que a raíz de que ambos jóvenes tienen un entendimiento y química perfecta durante el proceso antes mencionado; que deciden continuar trabajando por varios meses, enfocándose principalmente en la composición y en la preparación de las bases del proyecto MOTEL.


APRIL LAVIGNE

Avril Lavigne (n. 27 de septiembre de 1984) es una cantante canadiense de rock, compositora, diseñadora de una línea de ropa y actriz. Avril irrumpió en las listas musicales en 2002 con su primer y exitoso álbum Let Go, el cual ha vendido hasta la fecha 18 millones de copias mundialmente y más de 6,5 millones en los Estados Unidos. Su primer álbum además, se encuentra entre los 100 discos más vendidos de la historia. Su segundo y tercer álbum, Under My Skin y The Best Damn Thing, alcanzaron las primeras posiciones alrededor de todo el globo. Avril ha tenido 5 sencillos número uno mundialmente, incluyendo “Complicated”, “Sk8er Boi”, “I'm With You”, “My Happy Ending” y “Girlfriend”; este último alcanzó el puesto número uno en Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Lavigne se encuentra actualmente trabajando en su nuevo disco, que saldrá al mercado a principios de 2010. Hasta la fecha ha vendido más de 35 millones de discos a nivel mundial, lo que la convierte en una de las artistas más exitosas de la última decada.